L'Angelo del Male- Brightburn

Brightburn

di David Yarovesky.

con: Elizabeth Banks, Jackson A.Dunn, David Denman, Abraham Clinkscales, Jennifer Holland, Emmie Hunter.

Horror/Supereroistico

Usa 2019

---CONTIENE SPOILER---

"Cosa sarebbe successo se..." è una domanda che rimbomba da sempre nella mente dei fan dei supereroi; cosa sarebbe successo se Matt Murdock fosse stato reclutato dallo S.H.I.E.L.D. in giovane età o se l'Uomo Ragno si fosse unito ai Fantastici Quattro? Domande che generano domanda, soddisfatta in casa Marvel dalla serie antologica "What if...", in casa DC dagli "Elseworld", altri mondi in cui in cui Batman è invecchiato e si è ritirato dallo scene, solo per effettuare un trionfale ritorno quando la società è sull'orlo del collasso; o, ancora meglio, in cui l'Ultimo Figlio di Krypton è atterrato in Unione Sovietica piuttosto che in Kansas.
E forse è stato proprio pensando agli Elseworld di Mark Millar o Grant Morrison che James Gunn, con il fratello Brian e il cugino Mark, ha concepito "Brighburn", vero e proprio Elseworld su Superman travestito da horror.

James Gunn, si sa, è uno che non lo da a dire a nessuno e sforna questo exploit nello spazio di incertezza (per fortuna durato poco) tra il suo ignobile licenziamento per i tweet volgari e il ritorno in pompa magna alla Marvel Studios e l'ingresso alla DC Warner; "Brightburn", nonostante sia stato diretto dall'amico e collaboratore David Yarovesky, è in tutto e per tutto un'opera di Gunn, che si inserisce nel solco tracciato dallo sfacciato e irresistibile "Super" (che appare anche di sfuggita nel finale, preannunciando un probabile multiverso fatto di supereroi psicopatici), che re-immagina il superuomo come un'entità malvagia; e lo fa con un registro horror tout court, fuso in maniera impeccabile con la trama di base delle origini di Superman.

Tutti i luoghi comuni di questa sono presenti: la cittadina del Kansas a fare da sfondo alla vicenda e a dare il titolo al film; i genitori amorevoli e preoccupati; la scoperta dei poteri come scoperta di sé che coincide con l'accesso alla pubertà; persino la love-interest simil Lana Lang. Tutti elementi declinati verso il macabro: Brandon Brayer è infatti inequivocabilmente malvagio, mandato sulla Terra da un altro mondo non per scampare alla catastrofe, ma per conquistarla. I suoi poteri divengono così abilità da villain, uno più spaventoso dell'altro; e su tutti, come ne "L'Uomo d'Acciaio", è lo sguardo calorifero ad essere il potere più spaventoso.

La struttura dello script è quello di uno slasher vero e proprio, con le vittime che si susseguono in modo seriale; e la regia non si tira indietro quando c'è bisogno di esagerare: lo splatter gronda in ogni sequenza di morte, virando spesso verso un body-horror talvolta incredibilmente disturbante, anche per la totale assenza di humor, sia nelle sequenze di morte che nel resto della narrazione.
Come horror, "Brightburn" funziona a dovere; come parodia riesce a sovvertire i canoni del padre dei supereroi, perdendosi però nella caratterizzazione del suo protagonista, che resta schiacciata sulla pura malvagità; Brandon nasce cattivo e riscopre meccanicamente la sua natura, non c'è conflitto tra questa e l'istruzione che gli è stata data nei dieci anni di vita sulla Terra, caratterizzandosi come un semplice "mostro", piuttosto che come un supereroe tormentato e collocandosi anni luce sia dal Superman di Christopher Reeve che da quello, più stratificato, di Henry Cavill.

Limite che lascia "Brightburn" prettamente confinato nei limiti del genere orrorifico; del quale è però degno esponente.

Shaft

di Tim Story.

con: Samuel L.Jackson, Jessie T.Usher, Richard Roundtree, Regina Hall, Alexandra Shipp, Matt Lauria, Titus Welliver, Cliff "Method Man" Smith.

Poliziesco/Blaxploitation

Usa 2019















In un' epoca di revival di vecchie glorie ed in cui l'inclusivismo a tutti i costi è un imperativo, non poteva di certo mancare la riesumazione di una vera e propria icona pop quale quella del detective Shaft; poiché senza il primo "Shaft il Detective" non ci sarebbe stato quel filone della "Bloxploitation" che permise non solo al pubblico afroamericano di divenire centro d'attenzione per i produttori, ma a molti attori afroamericani di divenire vere e proprie star del cinema popolare; nella sua prima incarnazione, il cinema "all black" non era neanche incrostato di quelli stereotipi che Spike Lee ha più volte denigrato: Shaft è un uomo di legge, non uno spacciatore come l'altrettanto famoso "Superfly"; agisce per il bene delle comunità e arriva persino a proteggere quelle Pantere Nere finite nell'occhio del ciclone in quei primi anni '70. "Shaft il Detective" (assieme al coevo "Sweet Sweetback Badassssss' Song") è in tutto è per tutto una pietra miliare del cinema americano, il cui status fu persino riconosciuto all'epoca, quando fu graziato dell'Oscar per le bellissime musiche del compianto Isaac Hayes.

Già nel 2000, fu John Singleton a dare un terzo sequel alla serie, con il detective interpretato questa volta da Samuel L.Jackson e l'originale Shaft,Richard Roundtree, impegnato in un cammeo nei panni dello zio del nuovo Shaft; revival che non ottenne il successo sperato, stretto com'era in uno script mediocre e una regia di puro mestiere. E se quella di Singleton era una continuazione che cercava di riprenderne l'atmosfera e le tematiche dell'originale, di tutt'altra pasta è questo nuovo sequel diretto dallo specialista in commedie Tim Story, che usa il confronto generazionale per cercare di far ridere e riflettere sullo status quo delle mode e degli archetipi degli eroi, il più delle volte fallendo.

John Shaft (Jackson) e John Shaft Jr. (Usher) sono figli di due epoche diverse; il primo si è formato nei primi anni '80 con le leggi della strada, ha modi bruschi, da duro vecchia scuola e se ne infischia delle conseguenze. Il secondo è un millennial, figlio del perbenismo bigotto americano pronto ad indignarsi per ogni singola virgola. La rotta di collisione tra i due è, ovviamente, irreversibile e i duetti che ne conseguono sono a tratti gustosi; a tratti, perché per il resto i due personaggi sono talmente caricaturali da essere impossibili da prendere sul serio, rasentando la caratterizzazione delle maschere del Saturday Night Live piuttosto che quelle di un buddy cop movie a là "Arma Letale".

Lo Shaft originale, un Richard Roundtree alle soglie degli 80 anni, fa una comparsa nell'ultimo atto, sfoggiando ancora carisma, ma il trio è male assortito, con Shaft Jr. a ricoprire costantemente il ruolo di spalla comica e gli altri due a fare i duri.
La trama alla base di questa reunion generazionale è quanto di più banale si possa immaginare e tutti i colpi di scena sono telefonati; non aiuta la regia, visibilmente a disagio con le scene d'azione, tutte tirate via alla bene e meglio con coreografie inesistenti.

Alla fine poco o nulla si salva in questo revival, giusto la grinta del cast e qualche pezzo della colonna sonora che, stretta tra i vecchi ottoni funky e sonorità hip hop al synth, farà la gioia degli appassionati. Il mito di Shaft meritava decisamente qualcosa di meglio.

Il Caimano

di Nanni Moretti.

con: Silvio Orlando, Margherita Buy, Jasmine Trinca, Nanni Moretti, Valerio Mastandrea, Michele Placido, Giuliano Montaldo, Antonello Grimaldi, Paolo Sorrentino, Matteo Garrone, Tatti Sanguinetti.

Italia, Francia 2006















Qual'è il modo migliore per descrivere il rapporto tra Nanni Moretti e il sistema politico italiano degli ultimi 15/20 anni?
Domanda dalla non facile risposta, poiché se in precedenza il buon Nanni era l'esponente di punta di quella generazione nata e cresciuta nei dettami del PCI e che a vent'anni già si scopriva parte attiva di quella borghesia che tanto dileggiava, per poi ritrovarsi, nel decennio successivo, in preda allo smarrimento totale per la trasformazione della sinistra, dalla caduta della Prima Repubblica sino all'avvento dell'Era Berlusconiana, non è facile capire quanto ci sia di sincero nelle sue posizioni e dichiarazioni a partire dal 2001, ossia nel periodo di massimo splendore del governo di centrodestra, sino alle recentissime elezioni politiche del 2018.
Perché se il Nanni Moretti il cui ritratto fuoriusciva da "Aprile" era un intellettuale deluso e sconfortato dall'intero sistema-paese, che si rifugiava nel privato per fuggire dagli orrori cosmici fuoriusciti nella Penisola, il Moretti la cui figura emerge da "Il Caimano", dai cosiddetti "girotondi" e dalle dichiarazioni rilasciate di recente sul PD appare quanto mai ambiguo nelle prese di posizione, quasi confuso sulla linea di pensiero da seguire.

Tralasciando, per il momento, quanto fatto in quello che è il film più celebre della sua filmografia recente, è bene concentrarsi per un attimo sul fenomeno dei girotondi. Nati nel 2002 per contrastare la politica antigiudiziaria del secondo governo Berlusconi, questi erano una manifestazione di piazza, ma anche di pura pancia, utilizzati solo per gridare il disappunto di chi non si riconosceva nel governo, ma che non per forza credeva nelle istituzioni. Ed è stato proprio questo il loro grande limite, quello di essere pura e semplice protesta compiaciuta e mai accompagnata da un decalogo ideologico vero e proprio, sia esso quello del centrosinistra in generale che di un possibile altro manifesto ideologico ad esso parallelo ed eventualmente connesso. Difetto che si riscontrerà in tutta la politica del centrosinistra, a partire da primi anni del PD sino all'avvento del governo Monti del 2011: in tutto questo periodo, la sinistra si è compattata unicamente in una funzione anti-berlusconiana che non ha retto la prova dei fatti, non riuscendo mai nell'intento di demolire l'avversario perché priva di veri valori, ideali o semplici idee; basti pensare alla battaglia persa per la questione morale e il conflitto di interessi, fattori che ancora oggi portano scompiglio sulla scena politica e istituzionale.

Nanni Moretti, dal canto suo, in un'intervista di qualche tempo fa, ha minimizzato il tutto con un semplice: "L'unica vera battaglia persa del PD è stata la questione dello ius soli", senza neanche accennare al fatto che, poco prima, il PD aveva rifiutato di allearsi con i 5 Stelle, garantendo l'ascesa al potere di Salvini, le cui conseguenze sono, oggi come oggi, sotto gli occhi di tutti; tale incapacità di prendersi la responsabilità per quel grande fallimento che è stato (ed è tutt'ora) il centro-sinistra cozza con quella sincerità spavalda che dimostrava nei primi lavori. Forse anche lui è invecchiato? Forse. O, molto più probabilmente, si ritrova nella situazione di non poter più davvero criticare un partito che, volente o nolente, lo ha sempre difeso e appoggiato.

Tenendo conto di tale situazione ideologica, un film come "Il Caimano", sia esso inserito nel contesto storico che lo ha visto uscire in sala, sia rivisto oggi con la coscienza di ciò che sarebbe poi avvenuto, rappresenta una visione a dir poco strana, bizzarra, che alterna momenti di estremo coraggio e veridicità ad altri di pura codardia, trovate estetiche geniali alla solita incapacità di messa in scena propria di tutto il cinema morettiano, configurandosi, quantomeno, come l'opera più complessa di tutta la filmografia del regista romano.

Scisso in tre piani narrativi quasi antitetici, "Il Caimano" non è un film su Berlusconi, né sull'effetto che questi ha avuto sull'Italia sino al 2006, quanto un film sullo stato delle cose nel cinema italiano, sull'impossibilità per lo stesso di poter esprimere qualcosa di sensato e attuale o anche più semplicemente di non eclissarsi a causa della sciatteria dilagante.
Centro nevralgico della narrazione è la figura di Paolo Bonomo, un Silvio Orlando chiamato a riversare tutti i suoi tic e la sua classica espressione da cane bastonato su di un personaggio ai limiti della macchietta. Bonomo è un ex produttore d'oro, fautore di cult quali "Maciste contro Freud" e "Mocassini Assassini", oramai caduto in disgrazia; e già con lui, non è davvero chiaro ciò Moretti voglia dire in merito al passato (glorioso?) del cinema italiano: c'è una sorta di fascinazione verso quei film popolari e sanguigni, che venivano etichettati come "fascisti" dalla critica sinistrorsa con fin troppa facilità, veri e proprio doppi dei cult di Lucio Fulci, Sergio Leone e Mario Bava. Eppure, l'iperbole adoperata per dar loro corpo appare sin troppo caricaturale, quasi beffarda, confondendo sull'effettiva visione che Moretti ha del cinema pop italiano: vi è davvero del buono in quel cinema "focoso" o è esso mera espressione di una libertà creativa perduta? Moretti gioca costantemente a nascondere le sue vere intenzioni, tanto che alla fine si resta spaesati.

Secondo piano narrativo è il film nel film, la ricostruzione di quelle pagine di sceneggiatura in cui si ripercorre l'ascesa al potere del Berlusconi imprenditore tra la fine degli anni '60 sino alla vigilia della "discesa in campo"; ed è qui che Moretti adopera uno stile più ricercato, più attento all'estetica, per dare vita alle vicende giudiziarie e non del Cav, alternando la fiction con i veri estratti delle figuracce rimediate al Parlamento Europeo, per creare un effetto straniante questa volta voluto e pungente; che nel finale si fa apocalittico, ma anche ai limiti dell'elegiaco, quasi come se Moretti volesse inginocchiarsi dinanzi al trionfo di un personaggio talmente negativo da aver distrutto un intero paese pur di farla franca. Il che fa calare una luce sinistra sull'intera opera, anche e sopratutto quando si considera il terzo piano narrativo.

E' di fatto in quest'ultimo piano che vive il cuore del film, o quantomeno la sua spina dorsale; si diceva come esso in realtà fosse la storia di un uomo alle prese con la creazione di un film, metafora dell'impossibilità di creare un effettivo film su Berlusconi in un paese che di Berlusconi ne ha piene le tasche. Da qui l'impossibilità di dare una lettura seria del personaggio: giacché le sue malefatte sono di dominio pubblico, le sue figure fecali internazionali vengono trasmesse in diretta televisiva e i suoi legami con la malavita sono ai limiti del cristallino, non ci sarebbe, di fatto, un pubblico per un film che già tutti conoscono a menadito. Posizione in parte condivisibile, in parte altamente controversa.

Con un j'accuse verso un pubblico dimentico di cosa il cinema sia (anche quello popolare) e incantato dalle nefandezze della politica, Moretti si vorrebbe schierare contro un popolo anestetizzato dalla tv spazzatura e da quell'edonismo anni '80 proprio del berlusconismo oramai entrato sottopelle a qualsiasi italiano. E lo fa mettendo in scena le difficoltà di Bonomo e della giovane regista Teresa, dando corpo alla disperazione creativa e alla povertà di mezzi e idee in cui il cinema italiano (ora come allora) sguazza. Ed è così che cade nella sua stessa trappola, creando un controsenso inquietante.
Poiché è lo stesso Moretti a non voler prendere posizione, a non volersi schierare davvero contro il tanto odiato Caimano, a non voler reagire a muso duro contro un establishment decadente e corrotto fin nel midollo; ciò nel momento in cui decide di non creare un film sulla figura di Berlusconi, ma sulla difficoltà di parlare di Berlusconi; tanto che il vero quesito è insito e nascosto in quella volontà di portare in scena una storia del genere: paura della censura politica? Paura di offendere qualche potente? Paura di essere frainteso dal proprio pubblico? Paura di divenire il volto di quell'antiberlusconismo della sinistra italiana dell'epoca? Quesiti senza risposta.
Resta tuttavia il paradosso di un autore che lamenta la difficoltà di creare un film libero, salvo poi fare quello che gli pare, senza alzare mai troppo il tiro e senza volersi assumere responsabilità alcuna.

Se l'intento di Moretti era quello di confessare una sua ritrosia a volersi inimicare l'ex premier, il risultato è riuscito; se l'intento era quello di mettere alla berlina il sistema produttivo cinematografico italiano del XXI secolo, è altrettanto riuscito; se l'intento era quello di sbeffeggiare il pubblico, anche così l'intento è riuscito. Ma se l'intento era quello di portare ad una forma di riflessione sullo stato delle cose, l'intento è del tutto malriuscito, incrostato com'è di quella paura di alzare la voce che troppo spesso la sinistra italiana dimostra. "Il Caimano" è, in buona sostanza, un girotondo di celluloide, ossia un atto totalmente compiaciuto, che vorrebbe essere eversivo, ma si sostanzia come puramente ludico.

Finiscono così per venire alla mente quei cineasti della Prima Repubblica che, contrariamente a Moretti, mettevano verve e vero e proprio sangue nei loro j'accuse (su tutti Elio Petri, che lo stesso Moretti cita), esponendosi in prima persona agli attacchi (talvolta persino fisici) della classe dirigente, senza mai cedere di un passo e, anzi, spesso rincarando la dose a ogni nuovo film. Ma, come ci confessa in "Aprile", al confronto politico a viso aperto e ai ritratti impietosi, Moretti spesso preferisce il caffelatte.

La Bambola Assassina

Child's Play

di Lars Klevberg.

con: Mark Hamill, Aubrey Plaza, Gabriel Bateman, Tim Matheson, Brian Tyree Henry, David Lewis, Beatrice Kitos.

Horror

Usa, Canada, Francia 2019













Quello di "Child's Play" è un franchise anomalo, che nasce con un primo capitolo figlio più dello sceneggiatore Don Mancini che di quel Tom Holland già regista del cult "Ammazzavampiri" e si impone come un piccolo horror dalle buone ambizioni e in parte riuscito; un piccolo film che ha dalla sua degli effetti speciali ancora oggi ottimi, che permettono al bambolotto serial killer Chucky di entrare subito nel pantheon delle maschere più riconoscibili del cinema horror tutto, anche se, alla fin fine, di memorabile in questo primo exploit non c'è davvero molto.

Il buon successo permette così lo sviluppo di un brand vero e proprio; i primi due sequel si rivelano però come delle fotocopie sbiadite del primo film, che cercano di compensare la mancanza di suspanse con un tono grottesco troppo blando per essere davvero divertente; le cose cambiano a partire dal quarto capitolo, quel "Bride of Chucky" diretto dal Ronnie Yu di "Freddy vs. Jason" che riesce davvero ad imporre una svolta para-demenziale alla serie, la quale si rigenera a nuova vita proprio come il suo protagonista, per arrivare alla fine alla bellezza di sette film, gli ultimi dei quali sono tutti diretti da Mancini in persona. E ad oggi, oltre ad una serie televisiva ad opera di quest'ultimo, giunge nelle sale persino un remake del primo film, figlio però di diversi genitori: non più Mancini allo script, né il grande caratterista Brad Dourif a donare la voce alla bambola assassina, sostituito da un comunque notevole Mark Hamill.
Questa nuova incarnazione non è però un semplice rifacimento del primo film, quanto una vera e propria re-interpretazione del concept di base, aggiornato al XXI secolo; il quale riesce a intrattenere bene, anche se al minimo sindacale.

Gli elementi di base sono gli stessi del primo film: ragazzetto (questa volta più grandicello) che vive in una famiglia non proprio da sit-com riceve in regalo un pupazzo che si darà ai massacri, perseguitando alla fine anche il padrone. L'esecuzione, tuttavia, è diversa: Chucky non è più il corpo ospite di un assassino patito di stregoneria vodoo, ma un semplice giocattolo dalla tecnologia para-futuribile al quale sono stati tolti tutti i protocolli di sicurezza. I guai cominciano così quando questa sorta di I-Bambola comincia ad evolversi, entrando sempre più in contatto con la realtà che la circonda: impara la violenza niente meno che dalla visione di "Non Aprite quella Porta 2", non discernendone , di conseguenza, il lato demenziale da quello distruttivo, comincia ad uccidere per fare del bene al proprio padrone e decide di vendicarsi solo quando viene da questi abbandonato.

Il Chucky del Terzo Millennio è quindi una sintesi di tutte le paure del cyberpunk moderno, ossia la fobia che quell'immensa rete multimediale che abbiamo creato nelle nostre case si rivolti, trasformandole in trappole mortali; di fatto, la maggior parte degli omicidi sono eseguiti grazie alla funzione di connettività del bambolotto con gli altri elettrodomestici, rendendolo una sorta di Alexa figlia di Hal9000 piuttosto che il prodotto del cinema horror anni '80.
Cinema d'antan del quale questo nuovo film non disconosce le origini, che anzi vengono omaggiate da valanghe di citazioni (il dito che si illumina e la felpa rossa di "E.T.", il gruppo di ragazzini che salva la situazione come ne "I Goonies"), senza però mai lasciare che queste divengono parte essenziale della narrazione o dell'estetica; persino i trascorsi grotteschi della saga trovano un rimando nell'omicidio del patrigno, virato subito al demenziale.

A creare la giusta atmosfera, ci pensa la bella fotografia di Brendan Uegama, che già aveva dato prova del suo talento in televisione firmando le immagini di "Riverdale" e "Le Terrificanti Avventure di Sabrina"; mentre la regia si appiattisce, malauguratamente, sul chlichè dei jump-scare, qualcuno ben azzeccato, ma per la maggior parte inutili.
Alla fin fine, lo spettacolo messo in scena riesce a non tediare e anzi a divertire, sopratutto grazie alla declinazione cyberpunk data al soggetto. E' proprio il caso di dirlo: se tutti i remake delle icone horror anni '80 fossero stati all'altezza di questo nuovo "Child's Play", le maschere ormai classiche del cinema dell'orrore moderno vivrebbero oggi una vera e propria seconda giovinezza.

X-Men: Dark Phoenix

Dark Phoenix

di Simon Kinberg.

con: Sophie Turner, James McAvoy, Jessica Chastain, Jennifer Lawrence, Michasel Fassbender, Tye Sheridan, Nicholas Hoult, Alexandra Shipp, Evan Peters, Kodi Smit-McPhee.

Supereroistico/Azione/Fantastico

Usa 2019












Diciannove anni dopo il primo "X-Men", con sette capitoli ufficiali e cinque spin-off (tre su Wolverine, due su Deadpool) ed un nuovo film, "New Mutants", finito per il momento nel limbo distributivo, arriva il tempo della pensione per gli Uomini X della Fox. L'acquisizione da parte della Disney porterà ad uno scontato reboot per inserire i personaggi nel MCU e delle loro prime, imperfette ma tutto sommato divertenti, incarnazioni non resterà che il ricordo. Eppure, tutti i fan dei comic movie devono davvero molto a questa serie, che con il suo primo capitolo ha decretato l'inizio della golden age dei supereroi al cinema, spianando la strada per tutti gli adattamenti successivi.
Non è un caso che a dirigere quest'ultima incarnazione ci sia quel Simon Kinberg responsabile di tutti i progetti post "X-Men- L'Inizio" (e in parte anche di "Conflitto Finale") dei mutanti creati da Stan Lee e Jack Kirby, qui al suo esordio dietro la macchina da presa. Un esordio accolto freddamente e sicuramente meno riuscito rispetto ai migliori exploit della saga; ma, alla fin fine, "Dark Phoenix" è davvero il disastro che in molti credono?

Alla base della storia troviamo quella "saga della Fenice Nera" di Chris Claremont già portata malamente su schermo in "Conflitto Finale", questa volta adattata in modo più fedele alla controparte cartacea. Ambientata nel 1992 (ossia l'anno di grazia in cui gli X-Men hanno conosciuto il primo grande successo transmediale con il cartoon "Uncanny X-Men"), questa nuova incarnazione del celebre ciclo vede Jean Gray fondersi con un'ancestrale forza cosmica, forse responsabile addirittura del Big Bang, e affrontare successivamente i suoi demoni personali. Laddove in "Conflitto Finale" la Fenice era semplice supervillain da sconfiggere, qui troviamo una Jean Gray più complessa, onnipotente e al contempo fragile, chiamata ad essere sia l'eroina che l'antagonista della propria storia, anche se non in modo principale.

Lo script imbastito dal solo Kinberg è compatto, ma spesso claudicante. Primo su tutti, non regge l'inclusione di forze extraterrestri, venute fuori letteralmente dal nulla: messi da parte gli Shi' ar, vengono introdotti i mutaforma D'Bari (inutile sottolineare la ridicola assonanza che il nome trova nella lingua italiana) i quali atterrano di punto in bianco sulla Terra solo per essere i cattivi principali della vicenda, antagonisti privi di ogni minima caratterizzazione che non sia quella del villain di turno.

Script che non riesce nemmeno a far convivere il gran numero di personaggi introdotti: anche Magneto diviene un mero antagonista, Nightcrawler ha un arco caratteriale gettato a caso, Ciclope resta bene o male sempre sullo sfondo degli eventi mentre Quicksilver viene letteralmente riposto nell'armadio a metà film.
La stessa storia non ha le ambizioni epiche di "Giorni di un Futuro Passato" o di "Apocalisse", caratterizzandosi come più piccola, quasi timida nel riscalare ogni singolo evento ad una dimensione inferiore. E dulcis in fundo, non mancano dialoghi scontati, con esclamazioni tipo "E' il tuo destino!" o riferimenti neo-femministi che lasciano il tempo che trovano.
Sceneggiatura che trova poi una messa in scena di stampo televisivo, tutta basata sui primi piani alternati nei dialoghi, colpa della poca esperienza di Kinberg come regista.

Tanto basterebbe a decretare la cattiva riuscita di un film a cui, tra l'altro, nessuno teneva, vista la pessima tempistica che lo ha visto distribuire all'indomani dell'acquisizione da parte della casa di Topolino. E ben si potrebbero accettare quelle critiche che lo hanno visto paragonato addirittura a quel macello che fu il "Fantastic Four" di Josh Trank, anch'esso "commesso" da Kinberg. Eppure, per una strana ed inspiegabile alchimia, "Dark Phoenix" riesce a funzionare, pur al netto di difetti che cui è impossibile soprassedere.

Il ritmo lento ed il tono quasi intimista consentono davvero di entrare nella psiche della protagonista, di lasciarsi coinvolgere in un dramma visto e rivisto quanto si vuole, eppure portato in scena con passione. La trama esile e scontata non cade mai nello stupido o nel ridicolo involontario (cosa che invece accadeva con "Conflitto Finale" e "Apocalisse"). Riuscito è anche l'arco caratteriale dato a molti personaggi, tra i quali Xavier e Bestia, che divengono più che semplici "Buoni" all'interno di una storia che vorrebbe rendere la distinzioni tra eroi e malvagi fluida, a tratti riuscendoci per davvero.
Ed è forse proprio il tono mesto e contenuto, in ultima analisi, a rendere digeribile la storia; oltre al lavoro degli attori, tutti in parte, persino Sophie Turner, che di certo non ha mai brillato per doti che vadano al di là della sua bellezza.

Il primo viaggio filmico degli X-Men si chiude così in tono minore, con un sussulto anzicchè con un boato, in una pellicola dalla scarsa ambizione eppure più riuscita di quanto si voglia ammettere.

I Morti non Muoiono

The Dead Don't Die

di Jim Jarmusch.

con: Bill Murray, Adam Driver, Tom Waits, Chloe Sevigny, Tilda Swinton, Steve Buscemi, Danny Glover, Caleb Landry Jones, RZA, Sara Driver, Selena Gomez, Rosie Perez, Carol Kane, Iggy Pop.

Usa, Svezia 2019













Il cinema di Jarmusch è, in un modo o nell'altro, perennemente sospeso in quella zona di confine tra omaggio sentito e parodia, tra passione viva e pulsante verso il "genere" e distruzione totale dei suoi elementi caratterizzanti; laddove "Dead Man" era un western onirico che distruggeva a suon di splatter l'epica classica e leoniana,  "Ghost Dog" un omaggio sentito al polar di Melville infarcito di un sottilissimo umorismo acido, "I Morti non Muoiono" compie un percorso a loro simile, eppure diverso, omaggiando i propri numi tutelari e virando, al contempo e clamorosamente, verso i territori dello sberleffo più puro, per abbracciare e sbeffeggiare il filone zombi.

Si parte dal setting più classico possibile, la piccola cittadina di Centerville, dove vive letteralmente un pugno di personaggi, rappresentazione talmente perfetta di quel mid-west americano di romeriana memoria da divenirne esplicita iperbole, con un corredo di personaggi sin troppo aderenti ai rispettivi archetipi: dallo sceriffo Cliff Robertson (Bill Murray, che nella tradizione dell'autore porta il nome di un corrispettivo famoso, in questo caso il compianto caratterista omonimo), paterno eppure scazzato, al barbone filosofo Bob (Tom Waits), passando per lo zotico di fiera ispirazione trumpiana Frank Miller (Steve Buscemi), il nerd Bobby (Caleb Landry Jones), la nuova impresaria delle pompe funebri e patita di filosofia zen Zelda (Tilda Swinton) fino agli hipster di passaggio capitanati dalla peperina Zoe (Selena Gomez).
Centerville è, nel modo più puro e semplice, l'archetipo di ogni ambientazione di ogni horror possibile, corredato dai personaggi più ricorrenti. Non per nulla, Jarmusch mette subito in chiaro quali sono i suoi numi tutelari, ossia Romero, ma anche John Carpenter, richiamati esplicitamente non solo nella costruzione dello script, quanto e sopratutto dall'oggettistica esposta nell'antro del nerd, vero e proprio coacervo di tutto il cinema dell'orrore possibile dal "Nosferatu" di Murnau sino ai classici del neo-horror americano degli anni '70 e '80.

Anche nella costruzione degli eventi, Jarmusch riprende il modello "classico", con un primo atto che introduce i personaggi, un secondo in cui l'orrore comincia a strisciare a poco a poco tra le case ed un terzo in cui l'incubo esplode. Le tempistiche vengono dilatate, ogni tensione viene volutamente disinnescata dal ritmo lento e dall'umorismo sarcastico e feroce, mai così vicino a quello dei fratelli Coen per asciuttezza ed efficacia. Il ribaltamento del canone è così servito, ma è solo il primo passo dell'opera de-costruttiva.
Tutti i personaggi sono, bene o male, parodie, caricature di sé stessi che si muovono all'interno del feroce gioco al massacro intessuto dall'autore. A partire dagli sceriffi, uomini d'azione che, a differenza di quanto accadeva ne "La Notte dei Morti Viventi", non riescono a tenere a bada l'invasione, anzi non sanno davvero cosa fare nonostante vivano in universo in cui la fiction sugli zombi esiste ed è di comune conoscenza. Il nerd di turno, l'outsider che sarebbe stato l'eroe in qualsiasi trama negli anni '80 e '90, non riesce a combinare nulla, nemmeno a fare colpo sull'interesse amoroso di turno, tantomento a salvarsi la vita, pur combattendo fianco a fianco con il personaggio di Danny Glover, afroamericano reminiscenza dell'eroe del capolavoro di Romero.

Lo stesso non-morto è al contempo doppio sbiadito di ciò che era nei tempi passati e sua perfetta rappresentazione: nuovamente redivivo che ripete meccanicamente tutte le azioni fatte in vita, chiuso in cerchio infinito di consumismo che non porta a nessuna forma di soddisfazione (come in "Dawn of the Dead"); eppure la metafora anti-capitalistica (così come quella ecologista data dalla causa scatenante il risveglio) resta sempre sullo sfondo, secondaria a quello che è davvero il cuore del film.
Poiché Jarmusch non vuole tanto ripetere la lezione di Romero, né semplicemente omaggiarla o scompaginarla, quanto crearne una versione iperbolica, totalmente fuori controllo, dove nulla segue quegli schemi preimpostati da anni di imitazioni e omaggi. Non per nulla, già nei primissimi minuti fa abbattere la quarta parete al personaggio di Adam Driver, il quale, nell'ultimo quarto, finisce addirittura per confessare di aver già letto la sceneggiatura e sapere che tutto finirà come da tradizione, ossia male per i protagonisti. E anche in questo finale "telefonato" non c'è davvero nulla di scontato: non la dipartita dei tutori dell'ordine, purgata da ogni valenza eroica, non l'esplicitazione della metafora, semplicemente spiattellata allo spettatore dal narratore onnisciente, non la certezza della salvezza di quei personaggi (l'eremita di Waits, i tre ragazzini chiusi in riformatorio) che, vivendo al di fuori del sistema sociale, sarebbero anch'essi perfetti eroi da film di genere.

Quello di "I Morti non Muoiono" è così un lavoro non dissimile da quello fatto anche in "The Limits of Control", ossia una riflessione sull'arte del tutto autocosciente e metareferenziale, che ora tocca quel cinema che, ancora oggi, ci si ostina a credere di serie B, guarnendo il tutto con un umorismo distruttivo atto a sovvertirne ogni elemento caratterizzante; oltre a distruggere persino quelli che sono gli elementi caratterizzanti dello stesso cinema di Jarmusch e persino di sé stesso, come dimostra il personaggio di Tilda Swinton, dapprima riproposizione del samurai di "Ghost Dog", poi vero e proprio colpo di scena vivente.

Una riflessione che riesce ad essere al contempo divertita e divertente, adagiandosi su di un lavoro degli attori semplicemente irresistibile e su di uno humor sempre riuscito, persino quando si fa cartoonesco, nonché una carica dissacrante che farebbe invidia a molte altre commedie ben più blasonate presso il grande pubblico ("Zombieland" in primis), impostandosi se non come il film più interessante del suo autore, quanto meno come uno dei suoi più riusciti.

R.I.P. Franco Zeffirelli

1923 - 2019

Benché il suo cinema non abbia mai raggiunto le vette di molti suoi illustri colleghi, la dipartita di Zeffirelli è notizia assai triste. Con lui se ne va un altro pezzo di quella stagione irripetibile per la filmografia nazionale. A ricordarlo, i suoi film meglio riusciti, tra i quali vanno annoverati almeno "Romeo & Giulietta", trasposizione del dramma attentissimo all'ambientazione storica, l'immortale "Gesù di Nazareth", rievocazione dell'intera vita del Cristo, nonché l' "Otello" con Plàcido Domingo.